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Seis dias. Fazia tempo que eu não devorava um livro tão ferozmente como este “Kubrick, De Olhos Bem Abertos”, de Frederic Raphael, um senhor que ganhou o Oscar de Melhor Roteirista por “Darling, a Que Amou Demais” (1965), e em que em 1994 foi procurado por Stanley Kubrick para adaptar um trecho de um livro do escritor austríaco Arthur Schnitzler (“Breve Romance de Sonho”).

O que se segue é a rotina de um roteirista contratado por um grande diretor em um trabalho (quase) conjunto de um grande filme. “O roteirista nunca tem o mesmo poder de um diretor. No entanto, ás vezes, pode ter a ilusão de tê-lo”, escreve Frederic em certo momento, enquanto relembra uma vez em que Diane Keaton, impressionada com um roteiro seu, fez apenas uma reclamação: “Por que eu não podia escrever seu personagem com peitos maiores?”.

Frederic brinca com analogias clássicas para explicar a função de um roteirista em um filme: “Nenhum homem é herói sem seu mordomo, mas o mordomo, por essa mesma razão, nunca é um herói”. O roteirista é o mordomo, e em boa parte do livro, Frederic imagina o momento em que, trabalho entregue, será dispensado. “Stanley não quer um colaborador”, reflete em certo momento. No fim, justifica para si mesmo: “Tenho o consolo da prostituta: o que quer que seja, ele me escolheu”.

O livro alterna três formas de escrita, que facilitam bastante a leitura, partindo do roteiro clássico (com posições de cenário – “Externa, portão da casa de Stanley Kubrick”… – e conversas diretas entre F.R. e S.K.), passando pelo diário do escritor (que destaca vários trechos em que o autor tenta entender o mito Kubrick) e por trechos a la romance, que invariavelmente refletem o processo de feitura de “De Olhos Bem Fechados” enquanto o roteirista conta histórias com Audrey Hepburn, Marcello Mastroianni, Billy Wilder…

Cinema é o tema de alguns telefonemas que Kubrick faz para Raphael, discussões curtas como: “Você viu Pulp Fiction?”, pergunta Kubrick. “É um filme que precisamos levar em consideração, eu acho”, continua o diretor. “O ritmo, observe o ritmo”, finaliza. Envia o “Decálogo”, de Kieslowski, ao roteirista, diz que Woody Allen fez uma casa muito grande para o personagem de “Maridos e Esposas” (“Ele – o personagem – não ganha tanto para ter uma casa daquele tamanho”, justifica, alertando: “Não podemos cometer o mesmo erro”) e fala sobre seus filmes.

Valeu o esforço? Com a palavra, Frederic Raphael, após finalizar a segunda versão do roteiro:

– Ele acha melhor tentar acertar para que o filme seja feito. É a primeira vez que diz alguma coisa sobre fazer o filme.
– Espero que tenha valido a pena – comenta a esposa.
– Deus queira que em meu epitáfio não conste apenas “Ele trabalhou com Stanley Kubrick. Uma vez”.
– E queira Deus que não sejam duas vezes – diz ela.
– Ele é o melhor.
– É bom mesmo que seja.
– O que acha de sairmos para jantar? Hora de comemorar. Mesmo sem saber o quê, exatamente.
– Ter sobrevivido, talvez?

Fica a dica. Na Estante Virtual, site que reúne centenas de sebos do país inteiro, o livro de Frederic, lançado pela Geração Editorial, custa entre R$ 12 e R$ 25. Vale.

“Ele é, começo a suspeitar, um diretor de cinema que por acaso é um gênio e não um gênio que por acaso é um diretor de cinema. Minha dificuldade será adivinhar o que ele realmente quer de mim. E a dele será a mesma. Vou acabar descobrindo que, como sempre acontece com os bons diretores, ele quer apenas as habilidades que não consegue obter por si só. Uma vez que eu as fornecer, elas lhe parecerão tão banais que ele facilmente se convencerá de que é menos um caso de não possuí-las do que o de estar muito ocupado para poder aplicá-las. Fui contratado para preparar a festa, mas a festa com certeza será dele”…

Agora… Luis Buñuel…

Me pediram uma lista dos 10 melhores filmes da década 2001/2010. Na correria, listei uns 40 e fui cortando, cortando, cortando até chegar a 20. Fiz correndo agora… será que tinha esquecido algo? Dai, nos comentários, vários amigos acrescentaram coisas. A minha lista final é a de cima. A debaixo é a lista com a “repescagem”…

01) Sangue Negro, Paul Thomas Anderson (2007) (texto)
02) Match Point, Woody Allen (2005) (texto)
03) Onde os Fracos Não Tem Vez, Irmãos Coen (2007) (texto)
04) Fale com Ela, Pedro Almodóvar (2002)
05) Katyn, Andrzej Wajda (2007) (texto)
06) Cidade de Deus, Fernando Meirelles (2002) (texto)
07) Bastardos Inglórios, Quentin Tarantino (2009) (texto)
08) A Vida dos Outros, Florian H. von Donnersmarck (2006) (texto)
09) A Fita Branca, Michael Haneke (2009) (texto)
10) Dogville, Lars von Trier (2003)
11) Menina de Ouro, Clint Eastwood (2004)
12) Brilho Eterno, Michel Gondry (2004) (texto)
13) Os Excêntricos Tenenbaums, Wes Anderson (2001)
14) Closer, Mike Nichols (2004) (texto)
15) 2046, Wong Kar Wai (2004) (texto)
16) A Rede Social, David Fincher (2010)
17) Toy Story 3, Lee Unkrich (2010) (texto)
18) Antes do Pôr-do-Sol, Richard Linklater (2004) (texto)
19) Batman Begins, Christopher Nolan (2005) (texto)
20) Adaptação, Spike Jonze (2002) (texto)

Ps. Caiu “21 Gramas”, do Alejandro González Iñárritu, que estava em 20ª, para a entrada de “A Fita Branca”, do Haneke, em nono. Será que “O Segredo dos Seus Olhos” merecia uma posição? Dúvida…

Ps 2. Caiu “O Segredo de Brokeback Mountain”, Ang Lee (2005) (texto) da 17ª posição para a entrada de “Toy Story 3”, que tinha que entrar.

Agora, a lista com as cobranças feitas pelos amigos nos comentários:

01) Sangue Negro, Paul Thomas Anderson (2007) (texto)
02) Onde os Fracos Não Tem Vez, Irmãos Coen (2007) (texto)
03) Fale com Ela, Pedro Almodóvar (2002)
04) Katyn, Andrzej Wajda (2007) (texto)
05) Cidade de Deus, Fernando Meirelles (2002) (texto)
06) Bastardos Inglórios, Quentin Tarantino (2009) (texto)
07) A Vida dos Outros, Florian H. von Donnersmarck (2006) (texto)
08) Cidade dos Sonhos, David Lynch (2001) (texto)
09) Os Excêntricos Tenenbaums, Wes Anderson (2001)
10) Caché, Michael Haneke (2005)
11) Dogville, Lars von Trier (2003)
12) Brilho Eterno, Michel Gondry (2004) (texto)
13) Closer, Mike Nichols (2004) (texto)
14) 2046, Wong Kar Wai (2004) (texto)
15) O Segredo dos Seus Olhos, Campanella  (2009) (texto)
16) Elephant, Gus Van Sant (2003)
17) The Dark Knight, Christopher Nolan (2008)
18) Old Boy, Chan-wook Park (2003)
19) Whatever Works, Woody Allen (2009) (texto)
20) O Lutador – Darren Aronofsky (2009) (texto)

Algumas mudanças pontuais da primeira lista pra segunda. Woody Allen trocado (embora eu não concorde – risos): sai “Match Point” e entra “Whatever Works”. Caíram “Menina de Ouro”, “A Rede Social”, “Toy Story 3”, “Antes do Pôr-do-Sol” e “Adaptação”. “Batman Begins” foi trocado por “The Dark Knight”. “A Fita Branca” deu lugar para “Caché”. E entraram “Cidade dos Sonhos”, “O Segredo dos Seus Olhos”, “Elephant”, “Old Boy” e “O Lutador”. Ainda foram citados todos estes filmes abaixo (alguns eu concordo que mereciam, outros não). E quando me pediram era só um Top 10. Estiquei para um Top 20 (e por pouco não fiz um Top 21 para encaixar o David Lynch, que entrou na segunda lista). Ainda fico com a primeira… e quem quiser arriscar, deixa o seu Top 20 nos comments. Pensa que é fácil? (risos)

Outros filmes citados
– Extermínio, Danny Boyle (2002)
– Encontros e Desencontros, Sofia Coppola (2003)
– O Labirinto do Fauno, Guillermo del Toro (2006)
– O Filho da Noiva, Juan José Campanella (2001)
– Gran Torino, Clint Eastwood (2008) (texto)
– Casa Vazia, do Kim Ki-Duk (2005)
– O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, Jean-Pierre Jeunet (2001)
– Irreversível, Gaspar Noé (2002)
– Into The Wild, Sean Penn (2007) (texto)
– À Prova da Morte, Quentin Tarantino (2007) (texto)
– Zodiaco, David Fincher (2007)
– Vanilla Sky, Cameron Crowe (2001) (texto)
– Paranoid Park, Gus Van Sant (2007) (texto)
– Sinédoque Nova York, Charlie Kaufman (2008) (texto)

Antes de 2000
– Memento, Christopher Nolan (2000)
– Clube da Luta, David Fincher (1999)
– Alta Fidelidade, Stephen Frears (2000)

Trailer de “Um Garoto de Liverpool”

Estava quase certo que a Mostra SP iria passar em branco para mim, mas do último domingo pra cá conseguir aproveitar os horários vagos e consegui ver umas coisas bem legais. Primeiro foi o “Nowhere Boy” (“Um Garoto de Liverpool”), que foca na relação de John Lennon com sua mãe Julia e com a Tia Mimi. Sam Taylor-Wood pesa a mão na direção, mas o filme vale por várias passagens.

Na segunda consegui ver o bom argentino “O Olho Invisível”, de Diego Lerman. Lembrou-me muito Haneke (notadamente “A Professora de Piano” com uma possível pincelada de “A Fita Branca”), mas valeu. A meia-noite teve a primeira exibição do preguiçoso novo filme de Woody Allen, “Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos”. Ou faltou verba, ou ele desistiu de terminar o filme. Mas é Woody Allen, né.

O filme separado para a terça foi “Um Lugar Qualquer”, novo olhar de Sofia Coppola sobre a solidão e o vazio humano. É um dos filmes que mais gostei de ver nos últimos tempos. Trilha caprichada (tem até uma demo dos Strokes que funciona lindamente – está no trailer linkado no fim deste post também) e muito, mas muitos silêncios. Sofia está fazendo aquilo que seu pai Francis sempre sonhou: cinema autoral. Merece aplausos.

Para hoje tem “Uma Carta Para Elia”, documentário de Martin Scorsese e Kent Jones sobre Elia Kazan, um dos lendários e polêmicos diretores de Hollywood (“Sindicato de Ladrões”, “Vidas Amargas”, “A Luz é Para Todos”), que como ex-membro do Partido Comunista dos Estados Unidos, denunciou colegas do antigo partido ao Comitê de Investigações de Atividades Anti-Americanas.

Para amanhã, optei por “Gainsbourg – Vida Heróica” no lugar de “Rede Social”, o filme sobre o Facebbok que fecha a Mostra SP deste ano. Melhor ir atrás de um que pouco provavelmente estréie no lugar de outro que já está com estréia prevista. Preciso, por fim, encontrar um filme para o lugar de “Howl”, de Rob Epstein, cuja exibição de hoje foi cancelada. E tentar pegar alguns na repescagem. Pelo jeito vou manter a média de seis ou sete filmes…

Trailer de “Um Lugar Qualquer”

“A Menina Santa”, Lucrecia Martel (2004)

Considerada por muitos o grande nome do cinema argentino nos últimos dez anos, Lucrecia Martel mostra (por a + c) com “A Menina Santa” o motivo de tanta admiração. Todos os elementos de um filme são tratados com extremo cuidado e personalidade. O roteiro, por exemplo, conduz o espectador na trama delicada sem o tornar cúmplice (o público idealiza mais do que o filme realmente entrega). A fotografia, por sua vez, procura os ângulos pouco comuns, o que passa certo aspecto de voyeurismo e também de intimidade sem, no entanto, desvendar a história através das imagens. Na verdade, nada é desvendado. E este é o grande mérito de “A Menina Santa” (e do cinema de Martel): deixar a idéia flutuando na mente do espectador. O que não se mostra é o que interessa. Uma pequena aula de cinema.

“Soy Cuba, O Mamute Siberiano”, Vicente Ferraz (2004)

Vicente Ferraz estudou cinema na Escola Internacional de Cinema e TV de San Antonio de Los Baños, em Cuba, e foi lá que conheceu a obra que o cineasta russo Mikhail Kalatozov filmou no início da revolução cubana, em 1960 (logo após ter conquistado uma Palma de Ouro em Cannes, em 1958). “Soy Cuba” necessitou de quase três anos para ficar pronto, e não agradou ao povo cubano (que não aprovou o olhar dos russos sobre o país) nem tampouco teve sobrevida no Velho Mundo. Foi engavetado logo após a estréia e redescoberto 30 anos depois por Martin Scorsese e Francis Coppola, que o relançaram nos EUA. Ferraz conta a história da produção de “Soy Cuba” e conversa com atores e pessoas que trabalharam na realização do filme – algumas passagens são comoventes. Nos extras ele explica o mais belo plano seqüência do filme (quiça da história do cinema), obra do fotógrafo Serguey Urusevsky.

“Reflexões de um Liquidificador”, André Klotzel (2010)

Eis um dos filmes nacionais mais bacanas deste ano. Não que seja perfeito, mas a originalidade do tema e a esperteza do roteiro transformam o drama de um velho liquidificador em uma história interessante. E Selton Mello agora pode dizer que é um ator pau (ops) pra toda obra. É ele quem dá voz e alma para o liquidificador que, de uma hora para outra, começa a ter sentimentos e conversar com Dona Elvira, uma dona de casa que passa apuros com o sumiço repentino do marido. Klotzel brinca muito bem com os clichês (o policial, a gostosona, o thriller), mas apesar de sua curta duração (80 minutos), “Reflexões” cansa um bocadinho no meio, quando o eletrodoméstico começa a pensar em sua própria vida. Faltou uma história secundária forte para tirar o liquidificador da tomada. Mesmo assim, um filme a ser visto e admirado.

– “Quem serrrr esse merrrda? O que ele fez em seu última filme?”, berrou Charlie, um imigrante austríaco.

– “O último filme dele foi ‘O Caminho dao Arco-Iris'”, respondeu Evans.

– “Como você tem corrrragem de me mandar a porrrrra do Caminhas da merrrrrda do Arrrrco- Iris? O filme foi uma bhosta completo!”

Francis foi para Nova York, conversou com Charlie. Dois dias depois, Evans recebeu um telefonema. “O garrroto ser brrrrrilhante, fala bem, mas sabe dirrrrrrrigir?”, Charlie perguntou.

– “Acredite em mim, Charlie, ele sabe dirigir”.

Ps. os personagens:

* Charlie Bludhorn era presidente da produtora Gulf + Western
* Robert Evans era produtor da Paramount
* Francis Ford Coppola era um jovem diretor em Hollywood

O diálogo acima foi travado após Evans convencer Francis a dirigir “O Poderoso Chefão” (Coppola só aceitou dirigir porque estava bastante individado, mas o projeto não o havia seduzido). Agora Evans precisava convencer o presidente da Gulf e o presidente da Paramount a investir uma grana em um projeto ambicioso que contava com um diretor novato (Coppola) que tinha feito três filmes, abre aspas: “Agora Você é um Homem”, uma bobagem pretenciosa, zero de bilheteria, “O Caminho do Arco-Iris”, um grande musical da Broadway que Coppola transformou num desastre, e “Caminhos Mal Traçados”, que todo mundo malhou”. Fecha aspas

“O Poderoso Chefão” faturou 150 milhões de dólares numa época que os filmes faturavam 40 milhões…

Trecho de “Como a Geração Sexo, Drogas e Rock and Roll salvou Hollywood”, de Peter Biskind. Resenhas aqui.

“Criação”, Jon Amiel (2009)

Incrível como os ingleses acreditam que toda a História da humanidade está amplamente relacionada a casos amorosos. “Sylvia”, a adaptação de Christine Jeffs para a história da poetisa Sylvia Platt (com Gwyneth Paltrow no papel principal) é um exemplo (escrevi na época aqui). Existem outros, como este “Criação”, que freqüentou os cinemas meses atrás e agora chega às locadoras pretendendo contar a história de Charles Darwin em um período de sua vida que iria revolucionar o modo de olhar o mundo. Darwin está afundado nos trabalhos de escrita de “Origem das Espécies”, o livro que revolucionou a biologia e desafiou dogmas da igreja. Na visão dos ingleses, esse ato de criação se transforma em um romanção em que o homem dividido entre a família e o trabalho quase enlouquece, visão besta e clichê que atrapalha as atuações de um bom elenco encabeçado por Paul Bethany e Jennifer Connelly. Ignore.

“Brilho de Uma Paixão”, Jane Campion (2009)

Ela é uma jovem garota que está ganhando fama na cidade com seus moldes e roupas. Ele é um jovem pobre que está tentando a sorte no mundo das letras. O encontro destas duas almas perdidas no mundo move está belíssimo “Bright Star”, filme assinado com estilo pela diretora neozelandesa que já ganhou a Palma de Ouro em Cannes por “O Piano”, em 1993. Ele é (ou viria a ser) o poeta inglês John Keats (interpretado pelo ótimo Ben Whishaw). Ela é Fanny Brawne (com a convincente Abbie Cornish encantando corações). Os dois vivem um romance impossível bem típico do século 19. Eles se amam, mas o jovem poeta não tem dinheiro para bancar o dote da moça. O platonismo domina a tela e o texto rebuscado (aliado à fotografia encantadora) conquista o espectador logo nos primeiros minutos, e o enleva numa história sem final feliz. Cuidado: você corre o risco de sair tuberculoso da sessão. E apaixonado.

“Na Mira do Chefe”, Martin McDonagh (2008)

Releve o título nacional besta. “In Bruges” toma uma das paisagens mais belas da Europa (da cidade de Bruges, na Bélgica) como pano de fundo para contar uma história de assassinos que começa tolinha como imagens de cartões postais, mas que cresce vertiginosamente rumo a um final épico e grandioso.  O apelo do humor negro lembra muito os primeiros filmes de Danny Boyle (notadamente “Cova Rasa” e “Trainspotting”). A história gira em torno de dois assassinos de aluguel (Colin Farrell e Brendan Gleeson, ótimos), que após um serviço mal feito, acabam se escondendo na cidadezinha belga que tem o centro histórico mais bem preservado da Europa – e muitas cervejas boas. Ray (Farrell) é o típico britânico tosco que não vê graça nenhuma em ficar olhando prédios velhos enquanto Ken (Gleeson) quer aproveitar o refúgio forçado para passear na cidade encantadora. Os diálogos são hilários e o final assustador. Uma bela surpresa.

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“Grand Hotel”, Edmund Goulding (1932)

Vencedor do Oscar de Melhor Filme de 1932, aliás, única categoria que concorreu (por uma provável pressão de seu estúdio, o poderoso MGM), “Grande Hotel” faz parte de uma época em que os diretores iam aos estúdios para seguir a risca as anotações dos produtores, neste caso, Irving Thalberg, que cuidou do roteiro e escalou a seleção de estrelas (e egos) que dá um baile no filme (tanto Joan Crawford quanto John Barrymore mereciam, no mínimo, uma indicação ao prêmio da Academia). A história gira em torno do cotidiano de um grande hotel – no caso, em Berlim, centro cultural e nervoso do mundo entre guerras. Greta Garbo está ok como uma bailarina decadente, mas Joan a devora mostrando charme e sensualidade no papel de uma datilografa que acaba tendo que dormir com o patrão por dinheiro. Há discussões aqui que são atuais ainda hoje.

“O Grande Gatsby”, Jack Clayton (1974)

Não li o livro, o que é uma grande falha de caráter (eu sei), mas ninguém é perfeito (como diria uma música do Fellini: “Eu quis ser”… – risos). Mesmo assim, pela fama universal do livro, eu esperava mais dessa adaptação que tem o senhor Francis Ford Coppola assinando o roteiro e Robert Redford e Mia Farrow nos papéis principais. Como filme, “O Grande Gatsby” é extremamente óbvio e pouco inspirado. Falta ritmo e desde o começo o espectador já sabe o que vai acontecer. Amores não correspondidos da juventude que a gente sempre vai carregar como uma cicatriz na alma rendem boas tramas, mas o diretor Jack Clayton e seu amigo Coppola não souberam usar o material que tinha nas mãos e o filme ficou capenga, arrastado, chato. Nem li o livro, mas arrisco sem medo de errar: fique com ele.

“O Último Rei da Escócia”, Kevin Mcdonald (2006)

Perdi de ver no cinema, o que é uma pena, pois a história de Idi Amin Dada – o ditador cujo regime é acusado de ter matado entre 300 e 500 mil pessoas em Uganda – é impressionante (e devia impressionar ainda mais na telona). Forest Whitaker está ótimo no papel do ditador, e o roteiro tenta mostrar o lado humano do homem, e consegue até certo ponto, mas não adianta: no final o que prevalece é um forte gosto amargo cujo cerne é aterrorizante: histórias de canibalismo e de assassinatos brutais. O ator James McAvoy, que sempre decora bons papéis secundários (“Desejo e Reparação”, “Coisas Belas e Sujas”, “Wimbledon”), está muito bem no papel romanceado do médico que se torna braço direito do ditador. Para ver e pensar na África.

Na primeira cena, a morte (uma garota segurando uma foice) caminha em uma estrada devastada. Close na placa: Roma, 340 quilômetros. A declaração de amor do cineasta Federico Fellini à cidade eterna é simplesmente devastadora e emocionante. O cineasta caçoa da cidade que o abrigou ao mesmo tempo em que faz belíssimas declarações de amor. “Devemos ser leais a nossa natureza”. A frase justificativa é do próprio Fellini no meio do filme, após ser pressionado por alguns estudantes que não querem a Roma de todos os filmes: “simpática, confusa e maternal”. Eles querem ver nas telas os problemas dos trabalhadores, da educação.

Um produtor, no entanto, se preocupa: “Este filme será exibido no estrangeiro. O que vão pensar da nossa querida Roma? Que Roma é essa cheia de vadios, drogados, hippies nojentos, travestis e estudantes que não querem estudar? As pessoas são más”, diz o senhor grisalho com olhos de quem já viu dias melhores na cidade eterna. A saída de Fellini é voltar ao passado, direto para um velho teatro pré-guerra, em que artistas desafiam o público em números de comédia, música e dança.

No entanto, o alarme soa e todos são levados para um abrigo antiaéreo. Bombas caem sobra cidade do Papa enquanto geringonças perfuram o subterrâneo tentando expandir as linhas de metrô da cidade. “A cada 100 metros encontramos uma obra histórica”, diz em tom de pesar o dono da companhia. “Chamamos os arqueólogos e as obras param por quase um ano. Sabe desde quando existem planos de metrô em Roma? 1880. Sempre paramos na burocracia e nas obras históricas”, diz o senhor.

Fellini, no entanto, não desiste de ser leal a Roma que ele vê. Ele destrói a cidade, e a acaricia. Dezenas de pessoas almoçam no meio da rua, ao lado dos trilhos dos bondes. Uma criança grita palavrões. O pai ri. A câmera então leva o espectador para um pedágio de carros, e uma voz em off diz: “Que impressão a Roma dos dias de hoje pode dar aos turistas? Vamos entrar pela cidade de carro pela auto-estrada”. O cenário que se vê é de caos completo. Prostitutas e travestis acenam dos acostamentos, animais invadem a estrada, acidentes param o trânsito, buracos aparecem por todos os lados, a chuva alaga as ruas e o congestionamento é assustador parando no…  Coliseu. Isso é Roma. Ao menos é a Roma de Fellini. Quer mais lealdade do que expor a cidade que você ama com todos os defeitos e qualidades de forma tão… visceral?

Porém, o diretor não para por ai. Ele desanca o papado em um sensacional e corrosivo desfile de moda eclesiástica. Há muito mais. A câmera passeia pelo bairro do Trastevere e flagra um escritor norte-americano que vive em Roma. Assim que vê a câmera, ele começa o monólogo arrasador: “Você quer saber por que vivo em Roma? Eu poderia dizer que vivo em Roma porque é uma cidade central, mas na verdade Roma é a cidade das ilusões. É uma cidade, antes de tudo, da Igreja, do governo e do cinema. Todos fabricantes de ilusões. Eu também fabrico ilusões, assim como você. E quer lugar melhor do que esta cidade, que já morreu tantas vezes, e ressuscitou outras tantas, para ver o verdadeiro final da humanidade através da superpopulação e da poluição? Me parece o local perfeito para ver se acabamos de vez ou não”.

A cena termina com um brinde ao final da humanidade. E de Roma. Os restos da cidade, que também podem ser chamados de fontes, são iluminados em um passeio de moto na madrugada que é pura poesia cinematográfica. Simplesmente sensacional. Sensacional. Sensacional.

“Uma Vida Iluminada”, Liev Schreiber (2005)

Ainda não li o livro de Jonathan Safran Foer, mas acabei de terminar “Pergunte ao Pó”, do Fante, e ele é o próximo. A Lili leu, e pelo jeito curtiu bastante a adaptação (ela adorou o livro do Jonfen). O filme é excelente. Roteiro e fotografia espertos, frases ótimas e uma atuação impecável de Eugene Hutz, vocalista do Gogol Bordello, que rouba a atenção do espectador. Elijah Wood também está muito bem, e acho que resumo o filme em uma frase que Lili me falou ao tentar explicar o livro: tem partes cômicas, mas também é triste, muito triste. Tem umas três passagens ali no final que poderiam ser a tradução perfeita da palavra lirismo. Gostei tanto que vou rever qualquer dia. E ler o livro. Já.

“Ligações Perigosas”, Stephen Frears (1988)

Falando em rever filmes, aproveitei a inspiração de “Cheri”, o mais recente lançamento de Stephen Frears (e que traz Michelle Pfeiffer no elenco), e fui tirar a poeira do DVD de um dos meus filmes preferidos de todos os tempos. “Ligações Perigosas” me fascina desde a primeira vez que assisti. Há um cuidado nos mínimos detalhes da produção que são simplesmente arrebatadores. Do começo brilhante com John Malkovich e Glenn Close sendo arrumados pela criadagem até o final angustiante, “Ligações Perigosas” é um dos melhores filmes sobre vingança já feitos. Ganhou três Oscars (roteiro adaptado, figurino e arte), mas Michelle Pfeiffer merecia uma estatueta dourada. Ainda escrevo um textão sobre ele…

“Impulsividade”, Mike Mills (2005)

Esperava mais desse filme, mas não sei por qual motivo. Ok, sei. Confundi o diretor Mike Mills com Mike Figgis (“Despedida em Las Vegas”, “Por Uma Noite Apenas”) e, ao mesmo tempo, com o Mike Nichols (“Closer”, “A primeira noite de um homem”), quando devia ter pensando no baixista do R.E.M. A premissa de “Impulsividade” é interessante (jogando luz sobre a fase em que você começa a sair da infância para a adolescência), mas o resultado não comove. Prejudica ainda a atuação fanfarrona de Keanu Reeves (ele já teve alguma graaande atuação?). Lou Pucci, que interpreta o jovem que ainda não conseguiu deixar de chupar o dedo, se sai muito bem, mas o problema de “Impulsividade” é o roteiro extremamente previsível. Ahh, a trilha é assinada pelo pessoal do Polyphonic Spree e ainda traz coisas do Ellioth Smith. Ouça o CD…

Pré-Script: Vou tentar ser fiel a este espaço e escrever uma coluna toda segunda nos moldes da antiga Revolution, algo que é mais pessoal do que o Scream & Yell, por isso postada no blog, mas tem a ver com coisas de lá. Bem, as palavras falam por si… sempre.

Foto: GoldenGlobes.Org

Eu completo 40 anos neste ano. É a primeira vez que escrevo isso, e olho isso frente a frente, e não dá nem um friozinho que seja no estômago. Fazer 40 anos com a mente sã e alma lívida ajuda e muito a manter o foco nas coisas que a gente acredita, acho eu. Porém, inevitável, fazer 40 anos (e aproveitar todo esse tempo) é, numa comparação rasteira, viver o dobro do que alguém de 20 já viveu. São 20 a mais para se ouvir discos, assistir a filmes, ler livros e enterrar amigos.

Porém, por mais que a gente se policie, o mundo (principalmente o cultural) é muito mais novo que nós – e a gente já viu e viveu um bocado. Jovens músicos começam a fazer barulho em alguma garagem, arranjam um contrato bacana, e viram ídolos. Você já viu isso. Do nada, topamos com algum filme sensacional de algum diretor que nem aprendeu a falar direito com jornalistas, mas conhece a linguagem cinematográfica e consegue emocionar com algumas idéias toscas na cabeça e uma câmera na mão.

A gente ainda consegue se emocionar (ok, falo por mim), mas ficamos mais emburrados com a apatia cultural. E, após escrever tudo isso, fica parecendo que o problema na verdade não é mundo, e sim somos nós, sou eu. A música internacional anda tropeçando feio já faz uns três anos (a nacional vive uma fase excelente, mas no underground). Artistas enganam o público com discos medianos, e fica tudo por isso mesmo.

Às vezes parece que estou desconectado do mundo. E percebi muito disso assistindo a entrega do Globo de Ouro 2010, talvez a pior edição da premiação em anos e anos, e claro que ela não é culpada sozinha: se o ano foi ruim é porque a safra cinematográfica é ruim, ou talvez seja mau-humor da minha parte, e não eu esteja valorizando os futuros clássicos do cinema. Será mesmo?

Na minha ótica desfocada, o Globo de Ouro 2010 premiou bilheterias, dando uma pista para futuras premiações: você quer um Golden Globe? Fature bastante que a gente dá. Os principais filmes e artistas premiados foram recordistas de bilheterias no ano que passou, e é sempre bom lembrar que os executivos estão pisando sobre ovos em tempos de internet, peer-to-peer e pirataria à vontade nas principais ruas do mundo.

O que mais estranha, no entanto, é que o Globo de Ouro é a premiação dos jornalistas estrangeiros nos Estados Unidos, e não dos executivos ou da Academia. A Academia valorizar “Avatar” é uma coisa, a imprensa, outra. “Avatar” e a vitória da técnica sobre a inspiração. Mas, por outro lado, é também a senha para a Indústria de que o mercado ainda está vivo, e de que cinemas Imax e/ou 3D seja uma saída, uma fuga do caos desenhado nos últimos quatro, cinco anos.

A rigor, cifrões deveriam impressionar economistas, banqueiros, investidores e produtores. Não que o lucro seja um problema, pelo contrário, ele é necessário, mas quando passamos a visar o lucro pelo lucro viramos objetos da própria moeda que criamos, reféns de nossa própria ignorância. Pouca importa se o filme realmente é bom. O que importa é quanto ele conseguiu arrecadar nas bilheterias. Se for assim, estamos a um passo do abismo.

O que se viu no Globo de Ouro foi uma premiação voltada ao mercado e não ao cinema. A Academia pode sujar as mãos à vontade agora. O Globo de Ouro sempre foi referencia para a Academia, afinal, jornalistas teoricamente assistem a todos os filmes, o que é difícil acreditar que atrizes – e mães – como Angelina Jolie e Julia Roberts (para citar dois exemplos) tenham tempo entre seus filmes e filhos para assistir a todos os concorrentes. Ou seja: o Globo de Ouro é um guia, uma colinha para os desavisados.

Tenho muito receio do que pode acontecer com o cinema daqui pra frente, se o que contar realmente for grandes bilheterias. Assim como “Nevermind”, do Nirvana, abriu um buraco no peito da Indústria, por onde entraram dezenas de novas bandas, “Pulp Fiction”, de Quentin Tarantino, fez o mesmo pelo cinema independente em uma época de grandes blockbusters. Mas isso foi há 16 anos, e os blockbusters voltaram fortes e poderosos para mostrar que o dinheiro realmente vale mais.

Talvez nos reste, como último recurso, esperar que algum moleque viciado em cinema apareça com algum filme brilhante feito em sua própria casa, e abra um novo caminho nesta selva de pedra, aço e dólares. Talvez. Ainda temos tempo para revoluções? Em “Sonhadores”, de Bertolucci, uma questão era proposta através de uma frase: “Toda petição é um poema, todo poema é uma petição”. Isso era 1968. Em 2004, data do filme, ou agora, poderíamos dizer: “Toda petição é uma folha de cheque, toda folha de cheque é uma petição”.

Mudou o mundo ou mudamos nós.

Ps1: Ainda não vi “Fita Branca”, mas quero muito ver.
Ps2: Robert Downey Jr. está ótimo em “Sherlock Holmes”, mas é sério que valia um Globo de Ouro?
Ps3: Gostei muito de “Se Beber, Não Case”, que uma pessoa esperta poderia ter traduzido como “Ressaca”. Talvez tivesse votado em “500 Dias com Ela”. Talvez.
Ps4: A estatueta de Melhor Ator Coadjuvante do Oscar já vai sair da fábrica com o nome de Christopher Waltz
Ps5: No Oscar não vai dar Meryl Streep, né. E nem Sandra Bullock. Vai?
Ps6: Estou curioso por “Nine”, mas é claro que vou me decepcionar.
Ps7: O filme a ser visto se chama “Guerra ao Terror”.