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“O Quarto Verde”, François Truffaut (1978)
Adaptação da obra “O Altar dos Mortos”, de Henry James, “O Quarto Verde” (“La Chambre Verte”) é um dos filmes mais densos da carreira de Truffaut. Ele mesmo vive o personagem principal, Julien Davenne, um redator de obituários de um jornaleco interiorano que, assim que sua esposa morre, cria um altar em casa para continuar a adorando. O altar pega fogo, e ele consegue uma capela em um cemitério, onde passa a louvar não só a esposa, mas também amigos e ídolos mortos. A aparição de uma nova mulher, Nathalie Baye em início de carreira, chega a dar uma chacoalhada no coração de Julien, mas nada que os fantasmas – tão queridos por Julien – não consigam domar. “O Quarto Verde” é uma ode à morbidez, uma crítica exagerada àqueles que se esquecem dos seus. Não é surpresa que um tema tão nebuloso tenha fracassado nas bilheterias e feito com que o diretor revivesse Antoine Doinel no ano seguinte, fazendo as pazes com o público em “O Amor em Fuga”. Fique com Doinel (ou “Noite Americana”)

“Zodíaco“, David Fincher (2007)
Eis um caso exemplar de uma carreira que começa bem (“Seven”, 1995), bate no topo da genialidade cinematográfica (“Clube da Luta”, 1999) e começa a cair (“O Quarto do Pânico”, 2001), cair mais (“Zodíaco”, 2007) até se espatifar no lodo da cópia barata (“O Curioso Caso de Benjamin Button”, 2008). David Fincher foi do chão ao céu, e do céu ao inferno em treze anos, e no meio do caminho fez “Zodíaco” (“Zodiac”), mas parece que as boas idéias foram todas usadas em “Seven” e “Clube da Luta”. “Zodíaco” não inspira, não instiga, não causa empatia nem medo. Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo e Robert Downey Jr. (em uma atuação terrível) estão longe, muito longe de seus melhores papéis. Roteiro e edição tropeçam, cenas bestas surgem sem dizer a que vieram, e David Fincher enrola o espectador por 2h38 minutos para, ao final, não lhe entregar nada deixando no ar a sensação de tempo perdido. Mais um item para o tópico sobre como jogar uma bela carreira pela janela em Hollywood.

“Superbad”, Greg Mottola (2007)
Judd Apatow e Seth Rogen fizeram um barulho danado nos anos 00 com as comédias “O Virgem de 40 Anos” (2005), “Ligeiramente Grávidos” (2007)  , “Superbad” (2007) e “Segurando as Pontas” (2008). Eles arrebataram um séquito fervoroso de fãs e fazem um estardalhaço nos Estados Unidos com seus filmes recheados de palavrões, drogas e momentos VA. Destes, só não assisti a “Ligeiramente Grávidos” ainda, mas os outros três não me convenceram. Sério. Seus roteiros apresentam a história de forma impagável, o miolo funciona, mas o trecho final acomoda. E ai o virgem que foi sarreado a vida toda vira exemplo (a Igreja deve amar), os maconheiros do começo fazem campanha anti-drogas no final e, em “Superbad”, o cara que falava pra menina que vivia com a mão no pinto fica bundão, e vai passear no shopping de mãos dadas com ela. Apatow e Rogen posam de radicais, mas é só pose. Um filme pra rir até os 39 do segundo tempo.

Ps 1: Ahhh, a Nathalie Baye. Preciso ver mais algumas coisas com ela. E encontrar “Uma Relação Pornográfica” (esse aqui)
Ps 2: Sempre penso em rever “Seven”, mas quem diz que tenho coragem. Aquilo ali gela a espinha…
Ps 3. Ok, há muito de inocência em “Superbad” (afinal, eles tinham 13 anos quando escreveram o roteiro). E McLovin é o cara. Mesmo assim…

Leia também:
– “Clube da Luta”, um comentário (aqui) e um texto perdido (aqui)
– As aventuras de Antoine Doinel, por Marcelo Costa (aqui)

Atualizando a lista de últimos filmes vistos e revistos…

“Janela Indiscreta”, Alfred Hitchcock (1954)

Com a perna engessada, um fotógrafo é obrigado a ficar em casa e, para passar o tempo, observa a vida de seus vizinhos pela janela quando vê algo suspeito em um dos apartamentos. O argumento pode parecer tolo, mas esse Big Brother de suspense rendeu um filmaço recheado de frases antológicas e passagens clássicas, e lida de forma sensacional com a relação do próprio espectador com o cinema (e como ele se torna cúmplice dos personagens). James Stewart e Grace Kelly (looongo suspiro) estão brilhantes ancorados, ainda, por Thelma Ritter, a empregada com a frase certa na hora certa. Clássico.

“A Noite”, Michelangelo Antonioni (1961)

Segundo filme da célebre “trilogia da incomunicabilidade”, formada ainda por “A Aventura” e “O Eclipse”, “A Noite (“La Notte”) é um retrato exemplar da falência do amor, uma obra-prima de angústia, tristeza velada e dor que ganha força em uma frase de Valentina (personagem de Monica Vicci) quase ao final do filme: “Vocês acabaram comigo esta noite”. Ela não está falando apenas por si, mas também por nós. Foi meu quarto Antonioni, e já pulou para o segundo lugar à frente de “As Amigas” e “Profissão Repórter”, que preciso rever, e só atrás de “Blow Up”.

“Tiros na Broadway”, Woody Allen (1994)

“Tiros na Broadway” (“Bullets Over Broadway”) é um dos filmes mais perfeitos e bem acabados de Woody Allen, e olha que a concorrência é grande. Porém, são poucos os filmes do diretor em que o roteiro (assinado em conjunto por Allen e Douglas McGrath), a fotografia (magnífica de Carlo DiPalma) e a trilha funcionam de forma tão perfeita casadas, ainda, de forma brilhante com as atuações de John Cusack, Dianne Wiest (que levou o Oscar por sua atuação) e Chazz Palminteri. É daqueles para se ver, rever e ver de novo, e ainda ficar maravilhado com as piadas, com o ritmo, com o retrato que Woody Allen traça não só do teatro, mas também da vida.

“Abraços Partidos”, Pedro Almodóvar (2009)
 
Na virada dos 90 para os 00, Almódovar fez três filmes grandiosos: “Carne Trêmula” (1997), “Tudo Sobre Minha Mãe” (1999) e, o melhor de todos, “Fale com Ela” (2002). “Má Educação“ (2004) e “Volver” (2006), seus filmes seguintes, não frustram completamente o espectador, mas vieram menores, imperfeitos. “Abraços Partidos” (“Los Abrazos Rotos”) fecha essa trilogia da falta de intensidade. Se quiser, Almódovar faz um filme desses pintando as unhas do pé. Há bons momentos (a maioria na primeira metade), mas parece que diretor e público se cansam após 40 minutos.

Ps. Penelope Cruz versão Audrey Hepburn é de fazer o coração parar…

Leia também:
– “Má Educação”, de Pedro Almodóvar, por Marcelo Costa (aqui)
– “As Amigas”, de Michelangelo Antonioni, por Marcelo Costa (aqui)
– Um Alan Parker e dois Woody Allen, por Marcelo Costa (aqui)
– Uma análise de “A Noite”, por Nuno Manna (aqui)

Listinha para o amigo André, do Cinezen Cultural. Só valia filmes que estrearam no país em 2009, e só por isso “Whatever Works”, de Woody Allen, não está na quarta posição. Mas preciso pensar com mais calma. Foi lista rápida.

01) Katyn, Andrzej Wajda (resenha aqui)
02) Bastardos Inglórios, Quentin Tarantino (resenha aqui)
03) Gran Torino, Clint Eastwood (resenha aqui)
04) Se Beber, Não Case, Todd Phillips (comentário aqui)
05) 500 Dias Com Ela, Mark Webb (resenha aqui)
06) Se Nada Mais Der Certo, José Eduardo Belmont
07) A Todo Volume, Davis Guggenheim (resenha aqui)
08) Simplesmente Feliz, de Mike Leigh (resenha aqui)
09) Foi Apenas Um Sonho, de Sam Mendes (resenha aqui)
10) Apenas o Fim, Matheus Souza (resenha aqui)

“A Identidade Bourne”, de Doug Liman (2002)
É o longa que deu origem à trilogia com tudo aquilo de impossível que pode acontecer em filme de ação hollywoodiano. Como Marcelo Forlani listou no Omelete (resenha completa aqui), “numa noite tempestuosa em alto-mar um tripulante de um barco pesqueiro consegue ver um corpo boiando. Após o resgate descobre-se que mesmo com dois tiros nas costas e o “banho forçado”, o cara está vivo. (…) comandante da embarcação é um italiano de uns 50 e tantos anos que fala inglês e tem a mão tão firme que consegue operar o nosso amigo mesmo com o barco balançando mais que a câmera de A Bruxa de Blair”. Ou seja, se você desligar o botão da realidade, “A Identidade Bourne” pode se transformar em um filme divertido. Segundo, Jason Bourne é imortal. “Me sinto tão pequena perto dele e seus 30 passaportes” (risos).

“Supremacia Bourne”, de Paul Greengrass (2004)
A estréia fez um sucesso estrondoso, então nada mais Hollywood que investir em uma segunda história. Porém, desta vez, até que a trama toma mais corpo e aspectos psicológicos interessantes são inseridos na trama. Nada que vá fazer o filme ganhar mais do que uma nota 6 (a não ser que ele esteja sendo analisado como uma comédia, ai pode ir longe), mas há sobrevida. Curto e grosso: Jason Bourne, que perdeu a memória no primeiro longa, mas não nenhuma das mil e uma habilidades de combatente, está curtindo a vida numa ilha com sua gatinha, até que é descoberto e entramos novamente no ritmo acelerado de perseguições, lutas e tiroteios. Aqui o resultado convence mais, e ainda dá uma deixa para o terceiro longa.

“Ultimato Bourne”, de Paul Greengrass (2007)
O mais bacana dos três. E o mais piegas. Nosso herói está escondido tocando a vida quando lê uma reportagem sobre ele no Guardian. E lá vamos nós em dezenas de cenas de ação entender tudo que aconteceu na vida de nosso amigo. Ao menos, o roteiro tenta tapar todos os buracos – poderia ter explorado mais a questão “Julia Stiles”, mas ok. De cara dá para cravar que cineastas realmente acham jornalistas idiotas, e que Jason Bourne não lembrar de suas conquistas amorosas é uma grande sacanagem. Aliás, no quesito conquistas, Jason Bourne perde de goleada de James Bond. Ok, não há como comparar Sean Connery no auge com Matt Damon, mas até que o baixinho surpreende com uma atuação bastante convincente. Juntos, os três filmes não são excelentes, mas também não são ruins. Se você tiver de bom humor ele pode até lhe tirar umas risadas…

“Quem Você Ama?”, de Jerry Zaks (2008)

Leonard e Phil Chess, de uma família judia polonesa, trocam o ferro-velho que administram pelo projeto de abrir uma boate em um bairro negro de Chicago. A dica do local veio de um amigo de Leonard, Willie Dixon, e esse é o primeiro passo na história dos Chess, importante selo norte-americano que já teve sua trajetória vertida para o cinema no filme “Cadillac Records”, mas que aqui aparece validada pelo espólio tanto da família de Leonard como do irmão, ainda vivo, e do espólio da família dos músicos que foram lançados pelo selo.

Em certo trecho da história, Leonard e Willie estão à procura de um guitarrista para uma gravação. É quando um jovem se apresenta e diz que é bom nas seis cordas, mas não tem guitarra. Seu nome é Muddy Waters, e ele conquista a dupla nos primeiros acordes. “Quem Você Ama?” (“Who Do You Love?”) é focado em Leonard, mas traz belos causos do universo blues e rock and roll que fazem valer a sessão. Muddy é o primeiro contratado de sucesso do selo, que ainda aposta em Howlin Holf e em Bo Diddley, cuja canção dá nome ao filme.

O filme flui bem até a metade, mas acelera demais na segunda parte deixando muita coisa de fora. O espectador leigo, por exemplo, ficará sem saber que Chuck Berry e Etta James (além de outros) também foram lançados pela Chess. Apesar do vacilo, o filme é uma boa introdução ao selo de Chicago. “Who Do You Love?” está percorrendo o circuito de festivais (a Mostra de São Paulo é sua quarta parada) e não tem previsão de lançamento no exterior. Pode sair diretamente em DVD, e não chegar ao Brasil. Se você gosta do assunto ainda há três chances de ver o filme na Mostra SP:

28/10 – quarta-feira
18:00  Centro Cultural São Paulo

29/10 – quinta-feira
14:30  Unibanco Arteplex 3

31/10 – sábado
16:30  HSBC Belas Artes 2

“35 Doses de Rum”, de Claire Denis (2008)

Ricardo Calil, que respeito muito em se tratando de cinema, classificou “35 Doses de Rum” (“35 Rhums”), da francesa Claire Denis, como uma obra-prima (mais aqui). Ex-assistente de Wim Wenders, Claire tem uma filmografia elogiadíssima onde quer que se coloque os olhos para ler sobre a diretora, mas o filme não me pegou. Sim, é grande cinema, mas não consegui absorver a história a ponto de sair chapado da sala. Talvez porque ainda não seja pai. Talvez porque alguns recortes da vida real, embora filmados de forma bela, não me impressionem. É um filme bom, e só. Porém, para te confundir, aviso que adorei “Julie & Julia”. Daí você consegue ver quem está mais próximo da realidade… (risos)

“Fados”, de Carlos Saura (2009)

Expectativa é uma merda, não tem jeito. Alguém escreveu que “Fados” era um documentário, e com as credenciais de Carlos Saura assinando a direção achei que tinha a noite ganha. Engano. A opção estrutural pela qual Saura procura documentar a vertente musical portuguesa é simplória: ele junta dezenas de apresentações dos mais variados estilos de fado em 1h25 de rolo de filme que transforma o longa em um extenso videoclipe. Não há nada que guie o espectador, que não saberá dizer nem o nome da capital de Portugal ao fim da sessão. Para cada bom momento surge um equivalente de vergonha alheia. Chico Buarque se destaca com “Fado Tropical” cantada com cenas da Revolução dos Cravos ao fundo. Porém, também tem Toni Garrido…

“As Amigas”, Michelangelo Antonioni (1955)

Vencedor do Leão de Prata em Veneza em 1955, “As Amigas” (“Le amiche”) abre uma seqüência de grandes obras de Antonioni, a saber: “O Grito”, 1957, “A Aventura”, 1960, “A Noite”, 1961 e “O Eclipse”, 1962. O foco aqui são as relações de um grupo de mulheres que tenta se encaixar na sociedade, cada uma ao seu modo. A fotografia de Gianni Di Venanzo (“Oito e Meio”) é belíssima, e a cena da praia um bonito momento, mas a temática do filme (e com isso, o próprio longa) perdeu um pouco da força que deve ter tido na época ao buscar compreender as mulheres – e o suicídio, não só por amor, mas também pela sensação de vazio. Foi meu terceiro Antonioni depois de “Profissão: Repórter” e o sensacional “Blow-Up”. Na fila, “O Grito” e “A Noite”.

Ando relapso, eu sei. Lili diz que é minha recente conversão ao Twitter. Pode ser. Mas na verdade ando muito reflexivo, com pensamentos tão profundos que muitas vezes meus anjos mergulham na imensidão e voltam alguns dias depois sem falar coisa com coisa. Bem, vamos aos comentários rápidos dos últimos filmes que passaram por mim…

“Up”, Pete Docter (2009)
Eu tinha uma expectativa enorme para este filme, mas… não rolou. Vi no cinema e o começo é sensacional. O personagem do vovô Carl Fredricksen é muito bom, e o moleque também é divertido, mas dali pro meio as coisas entornam. Existem boas sacadas. Os cachorros com coleiras é uma das melhores, mas o filme todo cansou, sabe. Esperava mais, bem mais.

“Wall-E”, Andrew Stanton (2008)
Caso exatamente contrário ao anterior. Não vi no cinema. Queria, mas fiquei com preguiça. Acabei comprando em DVD, e fui ver sem a mínima expectativa, e não é que o filme me pegou de jeito. Não é que seja o melhor Pixar já feito, mas tem vários momentos deliciosos. E importante: ele não derrapa tanto no final, quando todos os filmes da produtora partem para a “mensagem edificante”. E a Eva é uma gracinha.

“Diário Proibido”, Christian Molina (2008)
O título original é “Diario de una Ninfómana”, que a distribuidora nacional não teve culhão para assumir. Inspirado nos escritos da francesa Valére Tasso, “Diário Proibido” prova por A + B que os clichês estão ai para serem vividos e transformados em filme ruim. Pecado maior, no entanto, é lembrar “A Bela da Tarde”. Belén Fabra até é bonitinha e boa atriz, mas não é uma Catherine Deneuve. E, por deus, Christian Molina nunca será Buñuel. Não perca tempo: vá direto aos originais.

“Os Amantes”, James Gray (2008)
É sempre bom cruzar com a Gwyneth Paltrow no cinema. Ela é daquelas coisas gostosas de colocar os olhos e ficar olhando, mas o filme soa meio… óbvio? Talvez. Na verdade, o personagem do Joaquin Phoenix (que está muito bem) me incomoda horrores. Ele se mexer – e seguir seus instintos bestas – no filme é algo que me faz sentir vergonha alheia. Mas suspeito que era isso que o diretor James Gray (cuja produtora se chama Magnólia) queria: mostrar que aquilo ali não é legal. Espero…

Ps. E tem “Bastardos Inglórios”, mas dele escrevi aqui.

Decidi começar pelo segundo boxe ao invés do primeiro até por um sentido de cronologia. No primeiro boxe da coleção estão os clássicos “O Sétimo Selo” (1956), “Morangos Silvestres” (1957), “A Fonte da Donzela” (1960) e “Gritos e Sussuros” (1972). Destes, só assisti aos dois primeiros, mas optei por voltar alguns anos na cinematografia do diretor e começar por:  

“Noites de Circo”, Ingmar Bergman (1953)
Apontado por muitos com o marco inicial do primeiro ciclo de grandes obras dirigidas pelo cineasta sueco, “Noites de Circo” (“Gycklarnas Afton”) ampara-se na desilusão e constrói um retrato dolorido e agonizante de um grupo de pessoas do universo mambembe. A crítica local desceu a lenha na época chamando “Noites de Circo” de, entre outras coisas, “o vômito de Bergman”, mas o filme – valorizado pela bela fotografia de Sven Nykvist – sobreviveu de forma sensacional ao tempo. 

Em seus 84 minutos, “Noites de Circo” exibe uma avalanche de decepções (passional, profissional, pessoal) que não permite ao espectador um sorriso franco. Olhamos com jeito admirado e assustado o caos, a vergonha, a humilhação e a tentativa de troca de tudo aquilo que se ama pela tranqüilidade de uma vida burguesa. Esperamos alguma redenção, que não vem, e namoramos a esperança de que as coisas possam mudar, e melhorar. Triste engano. “Noites de Circo” é atualíssimo. As coisas não melhoraram. 

“Sonhos de Mulheres”, Ingmar Bergman (1955)
Um dos filmes menores da carreira de Bergman nos anos 50, “Sonhos de Mulheres” (“Kvinnodröm”) é uma tentativa de entender a alma feminina tendo como base a vida de duas mulheres: Susanne, uma diretora de um estúdio de moda que vive um romance com um homem casado; e Dóris, uma jovem modelo que trabalha com Susanne e que acaba de terminar com seu namorado. Ela sonha com os atores dos filmes e uma vida de luxo e glamour.

As duas tramas seguem paralelas cada uma delas tendo um ponto alto, mas é a de Susanne a que se resolve melhor e soa mais realista apesar do final duvidoso – muito embora o personagem do cônsul, que participa da história de Dóris, seja o grande emblema do filme, um homem rodeado por mulheres (a filha, a mãe, a modelo), sem compreendê-las, que acaba virando um joguete. A idéia é ótima, mas o filme não convence (embora tenho momentos isolados que merecem serem vistos).

“Sorrisos de Uma Noite de Amor”, Ingmar Bergman (1955)
Disparado, o filme que mais gostei da caixa. Talvez por ser uma comédia de erros shakesperiana (o título original, na verdade, é “Sorrisos de Uma Noite de Verão”, e o filme é uma adaptação da famosa peça do bardo inglês) com diálogos espertos e ritmo acelerado. É também o primeiro filme de Bergman a conseguir sucesso internacional permitindo que a partir daqui o diretor tivesse liberdade artística para fazer o que quisesse (os dois filmes seguintes foram “O Sétimo Selo” e “Morangos Silvestres”).

“Sorrisos de Uma Noite de Amor” (“Sommarnattens Leende”) é movido por duelos verbais e belíssimas atuações. Nos extras do DVD, o cineasta relembra o sucesso do filme contando que seus produtores o mandaram para Cannes sem que ele soubesse. “Um dia abro o jornal e a manchete diz: ‘Sucesso sueco em Cannes’. Fiquei feliz e fui ver de quem era o filme, e era ‘Sommarnattens Leende’. Emprestei dinheiro de uma atriz e peguei o primeiro avião para Cannes”, relembra o diretor. O filme foi indicado à Palma de Ouro e recebeu o prêmio de melhor humor poético.

“O Richard Schickel (escritor e há muito tempo crítico da revista Time) escreveu um ensaio muito bom a meu respeito, dizendo que em determinado ponto o público me abandonava. E achei que foi a única coisa que ele errou. Fui eu que abandonei o meu público; ele não me abandonou. O meu público era muito bom, e, se eu continuasse a cumprir com a minha parte do contrato, ele não demonstraria nenhum sinal de querer me abandonar e ser algo mais do que uma boa platéia afetiva. Eu é que tomei um rumo diferente, e uma boa parcela desse público ficou incomodada, se sentiu traída. Não gostaram quando fiz “Interiores” e “Memórias”. Um crítico disse que “Interiores” foi um ato de má-fé. Achei que foi uma reação exagerada. Tentei fazer um filme específico, e se não funcionou, não funcionou. Respeito plenamente as opiniões das pessoas para quem não funcionou. Mas não foi feito com má-fé.

Depois, “Memórias” decepcionou as pessoas, e ao longo dos anos o público ficou mais e mais incomodado comigo, sem saber direito como seria o meu próximo filme, e menos seguro de que iria gostar. Muita gente ainda acha que os meus melhores filmes ficam pela época de “Annie Hall” e “Manhattan”, mas mesmo que esses filmes ocupem um lugar caloroso em seu coração – o que me deixa muito satisfeito – estão errados. Filmes como “Maridos e Esposas”, “A Rosa Púrpura do Cairo”, “Tiros na Broadway”, “Zelig” e até mesmo “Um Misterioso Assassinato em Manhattan” e “Poucas e Boas” são muito superiores. Claro, isso é questão de opinião, mas eu tenho a minha, assim como os outros têm as deles.

Agora, é verdade que depois de alguns filmes eu parei de pensar em popularidade e no público, ou no que escreviam sobre os meus filmes, mas não por arrogância, nem algum sentimento de superioridade. Só porque essa parte do processo – a chamada gratificação – não estava me deixando feliz, nem satisfeito. As pessoas muitas vezes tomam erroneamente a minha timidez por indiferença, mas não é.  Eu precisava de um centro espiritual e, sendo ateu, isso é difícil de encontrar. Então experimentei uma sensação de apatia em relação ao sucesso ou fracasso, e, é triste dizer, em relação à vida em geral. Tanto o sucesso quanto o fracasso provaram não significar muito para mim do jeito que pensei que fossem significar quando comecei. Nenhum dos dois contribui para a solução dos verdadeiros problemas da vida.

O lado bom de ser, como dizem os meus amigos, “imune à crítica”, é ser incapaz de gozar o prazer que um sucesso retumbante traz. Isso não quer dizer que eu deteste dinheiro, mas, resumidamente, apesar de toda a bajulação do mundo, a gente continua incomodamente finito (encolhe os ombros, depois ri).  Então, como eu estava dizendo, a minha timidez e a minha inabilidade em afastar a nuvem negra que vem com a incapacidade de lidar com a realidade fazem as pessoas pensarem que sou distante e inatingível, mas não sou nem um pouco alheio, nem recluso – que é outra descrição nada exata de mim. Por outro lado, não quer dizer que eu não concordaria com boa parte da crítica mais severa ao meu trabalho se ouvisse críticas. Tenho um olhar muito crítico sobre o meu trabalho e o de outras pessoas. Antes eu lia a meu respeito, mas parei de vez, porque é uma perda de tempo, não ajuda em nada o absurdo de ler que você é um gênio cômico ou que tem má-fé. Quem precisa pensar sobre tamanhas bobagens?”

Woody Allen em um dos melhores trechos do livro (aqui) de Eric Lax.

Leia também:
– “Match Point”, de Woody Allen, por Marcelo Costa (aqui)
– Os filmes prediletos de Woody Allen em todos os tempos (aqui)
– A cinematografia de Woody Allen de 0 a 10, por Marcelo Costa (aqui)

 “Golpe de Mestre”, George Roy Hill(1973)

“Golpe de Mestre” (“Sting”) é um belo exemplo de onde um roteiro perfeito pode levar um filme. É claro que além do roteiro, outros elementos entram na equação, mas o diretor George Roy Hill se cercou bem e saiu da cerimônia do Oscar de 1974 com 7 estatuetas batendo, entre outros, “Gritos e Sussuros”, de Bergman, que concorreu como Melhor Filme (o norte-americano também levou a melhor sobre o sueco na categoria diretor, mas Sven Nykvist, o fotógrafo de Bergman – e posteriormente, de Woody Allen – foi premiado).

Mais da metade do crédito de “Golpe de Mestre” recai sobre o roteiro soberbo, mas a dobradinha formada por Paul Newman e Robert Redford (que já havia brilhado muito em “Butch Cassidy and The Sundance Kid”, em 1969) também tem sua parcela de genialidade aliada à trilha sonora mágica de Marvin Hamlisch (também premiada no Oscar), que optou pelo ragtime ao invés do blues, que marcava o período (anos 30) radiografado pelo filme, aumentam o valor desta obra perfeita.

Ps. Quem é fã do excelente filme argentino “Nove Rainhas” precisa ver “Golpe de Mestre”.  O filme do portenho Fabián Bielinsky continua genial, mas é uma versão atualizada de “Golpe de Mestre”.

 “Diabo a Quatro”, Leo McCarey (1933)

O grande achado do passeio matinal de sábado foi um Box oficial com cinco filmes dos Irmãos Marx (pela bagatela de R$ 39,90), o que vai me permitir colocar em ordem a obra dos caras aqui em casa. Eu só havia assistido à reedição de “Diabo a Quatro” (“Duck Soup”) no cinema uns quatro anos atrás, e até acho que vi algum dos outros perdido em algum noite insone, mas comento assim que eles passarem pelo DVD player. Comecei novamente por “Diabo a Quatro” (para matar saudade).

No filme, Rufus T. Firefly (Groucho Marx) é escolhido por imposição da “alta burguesia”  (hehe) como líder de um pequeno e fictício país, a Freedonia, o que resulta em uma deliciosa e ácida sátira a estados e regimes totalitários (não à toa, Mussolini proibiu o filme) com momentos clássicos (como a apresentação de Rufus T. Firefly, o duelo do espelho, as gags do carrinho de amendoim e o ótimo final). “Diabo a Quatro” apareceu na sexagésima posição da lista de Melhores Filmes de Todos os Tempos da American Institute além de ser apontado como a quinta melhor comédia.

 “Match Point”, Woody Allen (2005)

Palavras de Woody Allen: “Tive uma sensação positiva assistindo ao filme quando terminei. Senti assim: pois é, este é um bom filme. Se eu tivesse feito uma carreira com filmes assim, eu me sentiria melhor comigo mesmo”. Mais outra: “Tive muita sorte com esse filme. Tudo que costuma dar errado num filme, deu certo nesse. Não sei se algum dia consigo repetir isso ou fazer um filme tão bom”. A última: “Match Point deu mais dinheiro do que qualquer outro filme que fiz na vida”. Trechos do livro “Conversas com Woody Allen”, de Eric Lax.

O cineasta tem um carinho imenso por “Match Point”, e não é coisa de carinho pelo filho mais novo: na mesa de edição de “Scoop”, a obra seguinte, ele já falava que o filme não funcionava tão bem quanto ele tinha imaginado ao escrever o roteiro. O fato é que “Match Point” é um filme absurdo de bom cujo ponto de partida – sorte pode ser melhor do que sabedoria – permite ao diretor tratar com maestria seu apreço pela visão de um mundo sem Deus (e conseqüentemente, sem culpa e perdão) e falsos finais felizes (escrevi mais aqui). Um dos melhores filmes de um dos maiores diretores de todos os tempos.

Ps. “Match Point” arrecadou 85 milhões de dólares, maior sucesso de bilheteria da carreira de Woody Allen até então. A marca foi batida com “Vicky Cristina Barcelona”, que alcançou 93 milhões de dólares em todo o mundo.