Calmantes com Champagne 2.0

Ok, ok, ok: prometo que após mais este post essencialmente masculino, vou dar uma maneirada nessas coisas de menino ficar falando de belas mulheres (e eu ainda nem contei uma história de que comprei o “Bed”, da Juliana Hatfield, devido ao fato da capa ser um close no rosto dela ao travesseiro… linda). Mas desta bela mulher que vou falar a questão não gira apenas em torno de sua beleza.

Recebi hoje (Made in Argentina, a indústria fonográfica de lá ainda funciona, e bem, com vários lançamentos que nunca vão chegar aqui) os dois álbuns da cantora e compositora ítalo-francesa Carla Bruni, que trocou as passarelas pela música (ela foi uma das modelos mais bem pagas do mundo de 1987 a 1998) e lançou “Quelqu’un m’a dit” (2002, cantado em francês) e “No Promises” (2006, em inglês), ambos editados nos vizinhos portenhos e ignorados pelos gênios que comandam nosso mercado de música.

Carla Bruni nasceu na Itália em 1968 (ou seja, está com 39 anos), e deixou o país quando a família partiu para um exílio na França, em 1973, fugindo do terrorismo das Brigadas Vermelhas. Cresceu em Paris, tendo cursado parte de seu período escolar na Suíça e, de volta à França, estudou na Sorbonne. Sobre “No Promises” escrevi o seguinte nos 500 Toques da Revoluttion em setembro:

“No Promisses”, Carla Bruni (Downtown)
Ela já foi uma das vinte modelos mais bem pagas do mundo, namorou Mick Jagger e Eric Clapton, e sua família tem grana suficiente para que ela vivesse de brisa, mas a música a resgatou. Em seu segundo álbum, a compositora franco-italiana compõe melodias folk para poemas de Yeats, Auden e Dickinson, entre outros. O resultado não é um Leonard Cohen de saias e belas pernas, mas merece atenção. A ironia dos textos fica em segundo plano, e uma voz rouca e pequena pede para cantar em sua orelha. Deixe.
Nota: 7,5
Preço em média: $45 (importado)

E era isso acima mesmo. Porém, assim que coloquei hoje o CD (capinha digipack e um generoso encarte que – além de belas fotos da compositora – traz todos os poemas e uma pequena apresentação dos poetas que compõe o álbum) no computador, “ganhei” um link para uma área exclusiva do site da cantora com dezenas de fotos (selecionei algumas, abaixo), quatro vídeos, um pequeno documentário de 15 minutos e duas faixas para download: uma versão editada de “Those Dancind Days Are Gone”, single e um dos grandes momentos de “No Promisses”, e uma versão da mesma canção com Lou Reed declamando versos no final. Uau.

Bem, lendo agora os parágrafos acima, até que o post não ficou tão coisa de menino assim, não é mesmo. E a voz de Carla Bruni compensa a leitura e as imagens abaixo que, assuma, são bonitas de se ver.

Acaba de cair na web a segunda parte do melhor disco de 2007, e também dois clipes ao vivo em estúdio com a banda matando a pau em duas canções do novo álbum: “Jigsaw Falling Into Place (Thumbs Down Version)” e “Bodysnatchers (Thumbs Down Version)”.

Radiohead – In Rainbows [CD 2]

Tracklist:
Mk 1
Down Is The New Up
Go Slowly
Mk 2
Last Flowers
Up On The Ladder
Bangers And Mash
4 Minute Warning

No Youtube do Radiohead os clipes

Ps: “Last Flowers” é foooooooooooooooooooodaça!

O Radiohead surpreendeu o mundo ao avisar, dez dias antes, que iria lançar seu novo álbum por download em uma época que os discos vazam meses antes de chegarem às lojas. “In Rainbows” foi lançado virtualmente, a banda tomou pra si o Top Ten da parada da rádio on line Last FM (que nas últimas sete semanas estampa as dez músicas do álbum como as dez mais ouvidas por seus usuários cadastrados num total assustador de mais de 13 milhões de execuções) e, agora, é a vez da segunda parte do disco cair na web.

Segunda parte? Isso mesmo. “In Rainbows” é composto de dois discos. O primeiro lançado no mês passado, e o segundo faz parte da edição especial com discos em vinil e outros badulaques que o grupo está vendendo por 40 libras no site oficial. Esta edição especial apresenta, na teoria, oito faixas novas. Na prática são apenas seis, pois “MK 1? e “MK 2? são faixas instrumentais curtinhas (a primeira com pouco mais de um minuto, a segunda com apenas 40 segundos).

Porém, as outras seis faixas mantém a qualidade e o espírito do álbum, com o grande destaque ficando para a balada ao piano e violão “Last Flowers”. A segunda metade de “In Rainbows” é completada por “Down Is The New Up”, “Go Slowly”, “Up On The Ladder”, “Bangers And Mash” e “4 Minute Warning”. Junto com o álbum também caiu na rede os dois primeiros clipes (ao vivo em estúdio) do novo disco.

“It’s Not How Far You Fall, It’s The Way You Land” é o segundo álbum do projeto Soulsavers, capitaneado pela dupla britânica Ian Glover e Richard Machin. O duo usa a eletrônica como ponto de partida para criar climas atmosféricos que se tornam grandiosos com o acréscimo do cantor Mark Lanegan (ex-vocalista do Screaming Trees, colaborador do QOTSA e mais uma dezena de epítetos), que assume os vocais em oito das onze faixas do álbum. Com Mark Lanegan no comando, já dá para imaginar o que vem pela frente: uma voz encharcada de bourbon sobre uma cama de guitarras estridentes, teclados climáticos, backings femininos e alfinetadas de eletrônica que soam como se a soul music tivesse nascido em Bristol, na Inglaterra.

Vai soar exagerado, eu sei, mas a voz sombria de Mark Lanegan esperava a anos por uma cama tão apropriada. Se em seus trabalhos solo, o rock e o blues dançavam de forma etílica por noites a fio, em “It’s Not How Far You Fall, It’s The Way You Land” Mark Lanegan abraça o soul (eletrônico) e, de mãos dadas, saem a bailar por noites sem fim de dias cinzas. Assim como Nick Cave, Mark Lanegan aponta os dedos para o criador e lhe dispara perguntas: “Por que estou tão cego com os meus olhos bem abertos? Eu preciso de você… é pecado pôr fim ao meu sofrimento?”, canta na baladaça “Revival”, de bateria pesada e clima contagiante.

Em “Ghosts Of You And Me” o clima é tão barra pesada (muito pela tempestade de riffs barulhentos que tomam a melodia pra si) que o interlocutor comenta: “Se eu tivesse um gato preto, não estaria tão sozinho”. O clima denso aumenta na faixa seguinte, “Paper Money”, em que Mark Lanegan grita como se estivesse sendo esfaqueado por uma falsa Afrodite enquanto diz: “Você não pode amar como eu”. A tensão se mantém em “Ask The Dust” faixa instrumental que conjuga riffs sujos de guitarra, teclados fantasmagóricos e bateria (eletrônica) quebrada com ênfase nos pratos.

Após tanto sofrimento em forma de barulho, “Spiritual” surge para purgar todos os pecados (deles e nossos). “Spiritual” é uma versão dos Soulsavers para o original do Spain, grupo liderado por John Hades (filho do lendário baixista de jazz Charlie Haden). No começo é só órgão e a voz limpa e cristalina de Mark Lanegan pedindo: “Jesus, não quero morrer sozinho / Meu amor era falso / Agora tudo o que tenho é você / Jesus não me deixe morrer sozinho”. A música cresce, as alfinetas de eletrônica marcam presença, mas é a voz de Mark Lanegan que te leva ao paraíso.

Em “Kingdom Of Rain”, violão e efeitos acompanham a voz. “Through My Sails” é lirismo em forma de canção pop: um teclado gélido, riffs de guitarra pontuando o arranjo e a letra mastigando a brisa marinha. Mark Lanegan sai de cena nas duas faixas seguintes, instrumentais (”Arizona Bay” e “Jesus Of Nothing”), mas retorna para fechar a tampa com uma magnífica versão de “No Expectations”, dos Stones fase “Beggars Banquet”. Sua voz caminha calmamente sobre uma base de órgão (com notas de violão ambientadas ao fundo) enquanto transforma em sons as palavras doloridas de Mick Jagger: “Nosso amor é como nossa música: está aqui e, depois, se foi”. Clap, clap, clap.

A Bravo lançou neste ano duas edições especiais muito interessantes, e que merecem uma busca nas bancas: “100 Filmes Essenciais” e “100 Livros Essenciais”. Não sei se a primeira ainda esta à venda, mas a segunda esta nas ruas faz umas três semanas, e embora tenha esgotado em várias bancas, com uma boa procurada você encontra. A primeira ainda traz como atrativo a participação do chapa Jonas Lopes redigindo vários dos textos sobre os 100 filmes.

Particularmente parto do pensamento que se toda lista comete erros, melhor deixar o blá blá blá de lado e aproveitar o momento. Desta forma, o Top 100 da Bravo nas duas categorias chegou como referencia aqui em casa. Os editores dos dois especiais citam como base para as listas fontes confiáveis e importantes, e cânones do gênero marcam presença ao lado de “novatos”. Falta isso ou aquilo sim, como em qualquer lista, mas é bastante divertido folhear as edições e partir para um “quantos eu li e/ou assisti”.

Desta forma, entre os “100 Filmes Essenciais” da Bravo assisti a 41 e outros quatro estão a caminho (aguardando o devido momento na prateleira de DVDs de casa: “Butch Cassidy”, “Era Uma Vez no Oeste”, “Touro Indomável” e “Ladrões de Bicicleta”). Já em livros, o negócio é bem mais complicado. Dos “100 Livros Essenciais” eu só li… 14. Isso sem contar que estou na página 30 e pouco de “O Estrangeiro”, do Camus; que li só umas 20 páginas de “O Apanhador no Campo de Centeio”, do Salinger; e que li apenas o primeiro dos sete volumes do “Em Busca do Tempo Perdido”, do Proust.

Se não fosse Shakespeare, sei lá o que seria de mim. Dos 14 livros que li da lista de 100 da Bravo, três são do amigo William: “Hamlet”, “Otelo” e “Noite de Reis”. Se houvesse mais vinte do Shakespeare na lista, eu teria mais vinte livros lidos. E isso acontece porque eu nunca li títulos, mas sim autores. Sempre li por indicação ou referência de algum ídolo ou amigo. Li Hermann Hesse (”O Lobo da Estepe”, número 95 na lista de 100 da Bravo) quando tinha 13 anos após uma indicação de Cazuza em uma Capricho (!!!) qualquer que sei lá como caiu em meu colo.

Depois de “O Lobo da Estepe” (que veio a mudar a minha vida completamente na segunda leitura, aos 18 anos) vieram “Demian”, “O Jogo das Contas de Vidro”, “Narciso e Goldmund”, “Caminhada” (um dos meus livros mais queridos de todos os tempos) e “Sidarta”, que eu só consegui passar da página 20 na sétima ou oitava tentativa de leitura. O mesmo aconteceu com Aldous Huxley. Comecei com “As Portas da Perceção / Céu e Inferno” por causa de… The Doors. Em seguida vieram os sensacionais “Admirável Mundo Novo”, “O Macaco e a Essência” (meu livro preferido ever), “A Ilha”, “Contraponto” e, um pouco abaixo, “Os Demônios de Loudun” e “Sem Olhos Em Gaza”.

Comigo sempre foi assim: eu lia um livro de um escritor x e ia fuçar toda a obra dele. Dei uma tremenda sorte com o sr. William porque na Biblioteca Municipal de Taubaté havia uma coleção de mais de 30 volumes com coisas dele. E era uma edição caprichada, tipo a que eu vou querer ter quando envelhecer: além da fluente tradução, os apêndices traziam dezenas de informações sobre cada obra, localizando a história no tempo e espaço, mostrando de que lugar Shakespeare retirou tal parte da história e a colocou como sua narrativa (você sabe que o Shakespeare era um grande charlatão, né? Um sensacional charlatão, diga-se de passagem) e mais, mais e mais.

Certa vez escrevi que havia lido mais de 1000 livros, mas só me lembrava da história de uns 10 (e olhe lá). E é bem verdade isso. Na minha longa temporada em Taubaté (mais de 20 anos), os livros eram companheiros inseparáveis. Já em São Paulo, desde que comecei a dormir aqui todos os dias (a partir de 2000), a leitura virou algo raro. Não sei se é o barulho dessa cidade que não dorme; não sei se é a oferta constante de entretenimento; não sei. Só sei que faz uns dois anos que não leio um livro que não tenha relação com cultura pop. Com isso, alguns Salman Rushdie se acumulam na prateleira, e mesmo o obrigatório Phillip Roth (”O Complexo de Portnoy”, número 96 do listão) está encalhado por aqui, e só saiu da prateleira porque Lili se empolgou e começou a lê-lo.

E é exatamente ai que entram em cena estes especiais da Bravo: eles fazem acordar dentro da gente algo que está adormecido, no caso, a vontade de devorar cultura. Olho a lista de filmes e livros da Bravo e penso que preciso ver “Oito e Meio” do Fellini (Lili fala desse filme uma vez por semana desde que começamos a namorar, e lá se vão 20 meses), “Jules e Jim” e “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, e que preciso terminar de ler o Camus para começar o Faulkner (”O Som e a Fúria”), Beckett (”Esperando Godot”), Cortazar (”Jogo da Amarelinha”) e Dostoievski (”Crime e Castigo”). Não posso viver apenas com Woody Allen, Francis Coppola, Krystof Kiesloviski (ausente no listão da Bravo), Billy Wider, Ligia Fagundes Telles, William Blake, Rainer Maria Rilke, Oscar Wilde, Rimbaud e… Nick Hornby (risos), entre muitos outros. Espero que você também não.

O xará Urania levantou a bola ao comentar a capa da Carla Bruni, e não tinha como cortar: essa capa da coletânea do Matthew Sweet (conhece? não? deveria) é Top Ten aqui em casa no que se refere a capa de CDs com garotas. Engraçado que quando eu fui procura-la no Google, o link da imagem era… deste mesmo blog, mas na versão 1.0. Na época, porém, não postei a contra-capa…

Dias atrás, para justificar meu descontentamento com a fraca temporada de shows deste ano (em comparação com a fartura de anos anteriores), fiz uma listinha com os melhores shows que vi em minha vida, respondendo a um comentário de um leitor, meio como dizendo: “Não sou eu que sou chato, os shows deste ano é que estão muito fracos”. A listinha foi feita em cima da hora, na correria, mas quem leva cultura pop a sério não deve (e não pode) fazer qualquer lista despretensiosamente. A consciência pesa.

E foi assim: acordei na madrugada do mesmo dia em que fiz a primeira lista decidido a fazer uma definitiva. E fiz. Era para ser um Top 10, virou um Top 20, depois um Top 25, em seguida um Top 30 e por fim um Top 50, ou melhor, dois Top 50: um nacional e um internacional. Não foi uma tarefa fácil. Por fim acabei incluindo mais dois Top 10 (isso não tem fim! – risos): um dos shows que eu criei muita expectativa, e me frustei; outro com os shows que eu queria ter visto, mas por algum motivo qualquer, perdi. A lista completa pode ser conferida aqui, mas nas próximas quatro semanas vou resgatar na memória pensamentos sobre cada Top Ten, e publicar um a cada sexta-feira. Pra começar, a lista internacional. E a pergunta: qual foi o melhor show internacional que você viu na vida?

Top 10 Internacional
01) R.E.M. no Rock in Rio, Rio de Janeiro (2001)
Não basta admirar um artista para que ele seja responsável pelo melhor show que você viu na vida. É uma pequena conjunção de fatores que torna um show algo especial. Particularmente, admiro (muito) e já vi ao vivo gente como Brian Wilson, Patti Smith, Neil Young e Echo & The Bunnymen, e apesar deles terem feito grandes shows, nenhum deles está neste Top Ten pessoal. É um preâmbulo necessário para evitar comentários óbvios tipo “esse é o seu show preferido porque você é fã da banda”. Nem sempre as bandas que mais admiramos são aquelas que fazem os melhores shows de nossas vidas. Às vezes são os piores…

Não é o caso do R.E.M. no Rock In Rio 3. O show aconteceu no segundo dia do festival, num sábado, e estava cercado de expectativas. Quando recebi no meio da tarde o set list que a banda iria apresentar mais à noite, fiquei impressionado: era impossível que eles fizessem um show ruim com aquele repertório. O trio havia selecionado um repertório best of para seu show no Brasil, que viria a se tornar o maior público para o qual a banda já tinha se apresentado. Assim que o Foo Fighters encerrou sua apresentação, tratei de arrumar um lugar na “fila do gargarejo” para presenciar o show. E foi… inesquecível.

Michael Stipe estava visivelmente emocionado. O som – que havia derrubado Beck e Foo Fighters – começou ruim, com o baixo à frente dos outros instrumentos, mas em três músicas já estava tudo ok. Daí vieram clássico atrás de clássico: “Fall On Me”, “Stand”, “So Central Rain”, “Daysleeper”, “At My Most Beautiful”, “The One I Love”, “Man on The Moon”, “Everbody Hurts”… Até hoje em dia, quando ouço o CD com o áudio do show, me arrepio quando Peter Buck dispara no bandolim o riff inconfundível de “Losing My Religion”, e ouve-se a massa vibrando (imagine 150 mil pessoas atrás de você gritando insanamente quando ouvem uma das músicas mais lindas já escritas na música pop). No final, “It’s The End” embebida em microfonia e Michael Stipe repetindo “and i fell fine” sem querer sair do palco. Antológico, clássico e inesquecível.

Texto da época especial para a revista Rock Press

02) Page e Plant no Hollywood Rock, São Paulo (1995)
Eu ainda morava em Taubaté, e só consegui ir a esse show porque ganhei o convite em uma promoção do Estadão. O lance era mais ou menos o seguinte: os sorteados se encontravam às 16h na porta do jornal, e um ônibus fretado levaria a turma toda para o estádio do Pacaembu. Claro que a maioria dos ganhadores chegou mais cedo, e a turma foi se conhecendo enquanto biritava num boteco ao lado. Na hora de ir pro estádio todo mundo já se tratava como amigo de infância.

Jimmy Page e Robert Plant chegavam ao Brasil para divulgar o álbum “No Quarter”, baseado em canções do Led Zeppelin e algumas faixas novas. Ao vivo, o repertório do disco que trazia “Kashmir”, “The Battle of Evermore”, “That’s The Way” e “Thank You”, entre outras, recebeu o acréscimo de clássicos como “Imigrant Song” (que abriu a noite), “Heartbreaker”, “The Song Remains The Same”, “Whole Lotta Love” (com Plant inserindo “Light My Fire” e “Break On Throught” do Doors no meio), “Black Dog” e, mama mia, “Rock’n’Roll”.

Além de Robert Plant engasgando para cantar o trecho rápido de “Going To California”, o que permaneceu mais fresco na memória foi o seguinte: após uma versão densa de vários violões para “Gallows Pole”, o palco fica completamente escuro. Permanece assim durante cerca de uns 50 segundos. De repente, as luzes do estádio inteiro se apagam. E surge, cortando a escuridão, o riff poderoso do blues “Since I’ve Been Loving You”. Nada mais a declarar sobre esse show…

03) Elvis Costello no Tom Brasil, São Paulo (2005)
Um show de Elvis Costello no currículo é muito pouco para se falar dele ao vivo. Na verdade, para se falar de um show de Costello e banda é preciso ver, ao menos, quatro apresentações, sendo que em cada uma você fica concentrado em apenas um dos músicos. Ao vivo, ele é acompanhado pelo grupo The Imposters, uma versão atualizada dos Attractions, que como única mudança traz o excelente baixista Davey Faragher no lugar de Bruce Thomas. O baterista Pete Thomas e o tecladista e mago do theremin Steve Nieve estão com Costello desde o início dos tempos.

A banda é tão coesa que fica difícil não se prender a uma linha de baixo por meio minuto para logo em seguida descobrir que Nieve está fazendo alguma maluquice nos teclados ou que o próprio Costello está brincando de guitar hero. O instrumental é tão poderoso que dá vontade de ver o mesmo show várias vezes, para ir colhendo detalhes que possam ter passado despercebidos em uma primeira audição. Costello entregou ao público paulista seu suor, seu melhor repertório em uma execução primorosa. Música da noite: uma versão extensa e violentamente crua de “I Want You”, com citações de U2 (”Ever Better The Real Thing”) e Beatles (”Happiness Is A Warm Gun”).

04) Morrissey no Personal Fest, Buenos Aires (2004)
Antes de abrir a boca, Morrissey reuniu o grupo na frente do público e se curvou em sinal de agradecimento. Suas quatro primeiras palavras: “Cry for me, Argentina”. O local foi ao delírio. Vestido de reverendo, (uma roupa toda preta com um pequeno detalhe branco na gola), Morrissey arrasou com cinismo, clássicos dos Smiths e extremo bom humor. O que dizer de um show cuja segunda música é “How Soon Is Now?”, a quinta é “Bigmouth Strikes Again” e a última (ou décima sexta, como quiseres), “There Is A Light That Never Goes Out”? Ah, teve “Everyday Is Like a Sunday” também…

Texto completo no Scream & Yell

05) Mercury Rev no Curitiba Rock Festival, Curitiba (2005)
Entre o público, pouca gente acreditava que Jonathan Donahue e sua turma conseguissem superar a perfeição indie do Weezer na noite anterior do Curitiba Rock Festival, mas a banda foi além: fez uma apresentação com momentos instrumentais impecáveis, imagens no telão (perfeitamente sincronizadas com as músicas) com citações que iam do filósofo prussiano Arthur Schopenhauer ao piloto norte-americano Michael Andretti; do cineasta Stanley Kubrick, passando por Vladimir Nabukov e Yuri Gagarin até chegar em E.T. e no Mestre Yoda. Inspiradíssimo, o vocalista Jonathan Donahue regeua banda como se fosse um maestro em uma orquestra, cuja batuta fora trocada por uma garrafa de vinho branco. No fim das contas, uma frase no telão resumiu tudo: “O mundo não é feito de átomos. É feito de histórias”. O Mercury Rev fez história em Curitiba.

Texto completo no Scream & Yell

06) The Cure no Ibirapuera, São Paulo (1987)
Meu único show internacional na década de 80, embora eu quisesse (e tivesse tentado) ver outros. A impressão, hoje, é que tudo foi maravilhoso, mesmo com o som estando prejudicado pela péssima acústica do local (embora qualquer acústica fosse melhor que a do TCC, local que abrigava todos os shows nacionais em Taubaté), muito devido ao fato de que era tudo novidade. Claro que não foi só isso. O Cure, quando aportou no Brasil em 87, era uma das maiores bandas do mundo. E Robert Smith estava de muito bom humor. Hoje é impossível cantar “In Between Days” sem soar nostálgico, mas, aos 17 anos, após perambular pela rua matando tempo para aguardar o metrô abrir e voltar pra casa (horas depois), a única coisa que eu conseguia pensar era em assoviar a canção infinitamente.

07) Lou Reed no Credicard Hall, São Paulo (2000)
Ele é aquilo mesmo que você imagina: jaqueta de couro, uma fender jogada elegantemente a sua frente, e um repertório de clássicos que não vão ser tocados no show. E mesmo assim é um show inesquecível. Ele enfia goela abaixo do público uma porção de canções novas – boas, mas sem o brilho das canções do Velvet e de sua carreira solo no início dos anos 70 – e quando você já não está conseguindo mastigar mais, ele saca do bolso “Sweet Jane”, “Dirty Boulevard” e “Perfect Day”, e enfia no meio uma anção nova com cheiro de velha, a bela “Baton Rouge”, e te faz ir sorrindo pra casa.

08) Betty Gibbons no Tim Festival, Rio de Janeiro (2003)
Beth Gibbons, só ela, é um show. A cantora agarra o microfone de um jeito que fica difícil imaginar alguém arrancá-lo de suas mãos. Ela mastiga cada palavra, sente cada sílaba, arrepia quando se encolhe junto ao microfone, parecendo se esconder. E isso acontece praticamente o tempo todo. Ela esbanja carisma tanto quanto timidez. A rotina é quase sempre a mesma. Ela desfia suas letras doloridas. Quando a letra abre espaço para a melodia, a cantora se coloca de costas e toca um singelo pandeiro, acompanhando a bateria. A canção termina, o público aplaude. Alguém grita “Portishead”, e ela, de costas, levanta um copo em sinal de brinde. No final, após toda banda deixar o palco, ela ficou pedindo desculpas pelo seu português, por sua voz. Parecia não ter noção que havia acabado de realizar um dos melhores shows que já passaram pelo País.

09) Sonic Youth no Free Jazz, São Paulo (2000)
Eu não esperava nada desse show. Havia ganho o convite de uma amiga que tinha ficado em casa, e precisou voltar para Porto Alegre na última hora. Sua recomendação: “se eu não voltar pra ver o show, vá você”. E eu tinha medo do Sonic Youth. Achava que seria um show de barulhos e microfonias. Após três dias virando balada, e acordando cedo no quarto dia para uma extensa prova de admissão no saudoso Noticias Populares, cheguei ao Jóquei Clube arrebentado de cansaço. Na hora do show eu só pensava em dormir, mas cada música que surgia me arrastava para frente do palco. Foi um hino atrás do outro. Um sonho em forma de show de rock. Mesmo. Eu sei que para quem viu o show do Claro Que é Rock, anos depois, fica difícil acreditar, mas é sério. Foi um show assustador de tão bom.

10) Pearl Jam no Estádio do Pacaembu, São Paulo (2006)
Eu também não ia nesse show. Acabei convencido por uma amiga, na última hora. Comprei o ingresso na mão de cambista e adentrei ao Pacaembu. Primeira tapa na cara da desconfiança: o carisma de Eddie Vedder é algo impressionante. O repertório foi algo de histórico. Da arquibancada, as cenas mais impressionantes aconteceram logo no começo do show, com o público da pista acompanhando em ondas o crescendo da melodia de “Given To Fly”, e no final, com Eddie Vedder arremessando seu coração para o público brasileiro após exercitar um punhado de frases em português. Emocionante.

Pra mim, a capa deste “The Shepherd’s Dog”, do Iron & Wine (banda de um homem só, no caso, Samuel Beam) está entre as mais bonitas do ano, se não for a mais bonita. Eu preciso pensar com mais calma, relembrar, mas fora a capa da Siouxsie e a da Carla Bruni, não lembro de nada que tenha me chamado a atenção… bons tempos do vinil…

Lili está em vias de terminar seu projeto de conclusão de curso, o que além de significar que logo terei uma arquiteta formada em casa, também quer dizer que ela já está passando mais tempo em frente ao computador do que em qualquer outro lugar da casa, cansada e com o humor abalado (só quem já passou por um projeto de conclusão entende). Resultado mais sério: o jantar sobrou para mim.

Ela foi bem querida e pediu para que eu preparasse uma receita simples de caldo verde que ela fez na semana passada. Porém, qualquer receita simples não é nada simples quando um homem está na cozinha, vamos combinar. No entanto, uns 50 minutos depois de imerso na cozinha, posso dizer: o caldo verde ficou excelente, muito melhor e muito mais barato do que os que costumo comer por ai (o da Bela Paulista é algo).

A receita é tão simples e tão fácil que resolvi dividir com os amigos. Lili a retirou do site da revista Boa Forma (sacumé, sacumé – link direto aqui), e demos uma adaptada desde a primeira vez com base na condição de “casal recém morando junto” que, com a receita na mão, lembra que ainda não tem panela de pressão em casa (tsc tsc tsc). E ainda pretendo experimentar alguns temperos, mas isso fica pruma próxima.

O mais complicado para quem mora sozinho e não tem panela de pressão é cozinhar as 600 g de batata sem casca e cortada em pedaços, mas – no item de facilidades da vida moderna – você pode encontrar em um Pão de Açúcar da vida um pacotinho de batatas cozidas (é mais caro que a batata comprada na feira, mas resolve que é uma beleza) e descascadas. E embora a receita indique o peito de peru light, ainda ficamos com a boa e velha calabreza.

E é isso. Só isso. Confira a receita e se arrisque a fazer em casa qualquer dia. Vale a pena. Não tem como errar. Eu não errei…

Ps. O pãozinho cortado da foto foi feito na hora também; o Pão de Açúcar vende pães pré-assados, que só precisam ficar alguns minutos no forno antes de comer, uma ótima saída para quem detesta pão amanhecido; O queijo também foi ralado na hora. A mãe de Lili sempre traz um queijo mineiro quando nos visita (”Queijo Minas, o original, não essa ricota mole daqui de São Paulo”, esbraveja Lili – nunca discuta com uma mineira sobre queijo, pão de queijo e derivados, nunca), e ralamos na hora quando fazemos alguma massa ou sopa. Tudo fresquinho…

Caldo verde
• 600 g de batata sem casca e cortada em pedaços
• 1 cebola pequena
• 1 col. (sobremesa) de margarina light
• 2 cubos de caldo de legumes
• 1 litro de água
• 60 g de peito de peru light em cubos
• 4 xíc. (chá) de couve-manteiga em tiras finas

Modo de fazer
1) Cozinhe a batata na panela de pressão (ou, no nosso caso, compre a cozida no supermercado).
2) Dissolva o caldo de legumes em água quente;
3) Em uma panela à parte, refogue a cebola na margarina e acrescente o caldo de legumes dissolvido na água.
4) Deixe ferver e, em seguida, bata no liquidificador junto com a batata cozida. Volte a mistura na panela e leve novamente ao fogo para engrossar um pouco.
5) Acrescente a couve e ferva por mais alguns minutos. Volte a mistura ao liquidificador e de uma batida rápida para cortar a couve (algo de dois ou três segundos)
6) Coloque o peito de peru e/ou calabreza na hora de servir.

Rendimento: 4 porções.
Calorias por porção: 185 calorias (a tradicional tem 228).
Tempo de preparo: 30 minutos

O encontro em estúdio de grandes astros da música pop – que são amigos – deveria ser algo obrigatório nas tábuas divinas, um décimo primeiro mandamento a ser acrescentado numa futura revisão/atualização dos outros dez. Isso fica evidente quando se tem nas mãos o pacote “The Traveling Wilburys Collection”, que junta em dois CDs a integra dos dois álbuns do grupo (”Vol. 1? e “Vol. 3?), mais quatro faixas bônus e um DVD que conta com um documentário sobre as gravações do primeiro álbum (legendas em português) e ainda cinco videoclipes.

Mas que catzo é o Traveling Wilburys? Bem, o Traveling Wilburys foi um projeto formado em 1988 por Nelson Wilbury, Lefty Wilbury, Otis Wilbury, Charlie T. Wilbury Jr e Lucky Wilbury, codinomes de George Harrison, Roy Orbison, Jeff Lyne, Tom Petty e Bob Dylan, escudados pelo experiente baterista Jim Keltner. Essa turma se encontrou em estúdio para gravar a faixa “Handle with Care”, que faria parte do lado B do single “This Is Love”, extraído do álbum “Cloud Nine”, de George Harrison, mas o projeto foi além.

A química em estúdio deste quinteto de luxo fluiu tão bem que o grupo decidiu arriscar um álbum inteiro, composto e produzido em apenas dez dias (tempo que eles teriam em estúdio antes que Bob Dylan saísse em turnê). O resultado deste trabalho de astros pode ser conferido novamente agora nos dois CDs lançados pela banda em 1988 e 1990 (este último sem Roy Orbison, falecido dois meses após o lançamento do primeiro álbum), relançados agora no pacote “The Traveling Wilburys Collection”.

Porém, se as músicas já estão por ai faz quase 20 anos, o grande achado do pacote é a inclusão do DVD que documenta as gravações de “Vol. 1?. George Harrison toma à frente do grupo como um líder, mas cada membro sabe muito bem o que fazer em estúdio, muito embora Tom Petty assuma: “Nós passamos os vocais de cada um para ver em qual a melodia da música se encaixa melhor, mas como eu posso cantar alguma direito coisa depois de ter ouvido Roy Orbison cantar? Ele faz a gente tremer”, comenta rindo.

O documentário repassa a gravação de várias músicas do primeiro álbum, com cada um dos participantes comentando sobre a maneira de compor do outro. Interessantes takes de estúdio (principalmente de registros vocais) recheiam o DVD. O mais engraçado é que uma das melhores partes do documentário não seja de nenhum dos cinco Wilburys oficiais, mas sim do baterista Jim Keltner, que troca os pratos da bateria por uma geladeira (?!?) em “Rattled”, e grava sua parte na cozinha da casa em que a banda transformou em estúdio para compor o álbum.

“The Traveling Wilburys Collection” flagra a história de um grupo de amigos apaixonados por aquilo que sempre fizeram na vida: música. Canções como o country de boteco do velho-oeste “Last Night”, os rocks da idade pedra (ops) “Dirty World”, “She’s My Baby” e “Margarita”, o twist “Wilbury Twist” (com a seqüência de passos da dança desenhados no encarte), as dylanianas “Tweeter And The Monkey Man” e “If You Belonged to Me”, ou mesmo as inéditas “Maxine”, “Like a Ship”, “Runaway” (de Del Shannon) e “Nobody’s Child” (de Mel Foree e Cy Coben) são momentos em que a música pop manda raros cartões postais do paraíso.

“O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford”, de Andrew Dominik – Cotação 3/5

Jesse James foi um temido fora-da-lei que viveu no velho oeste norte-americano na segunda metade do século 19 e que ficou famoso por assaltar bancos, trens e matar pessoas com uma frieza rara naquela época. Jesse James ameaçava governadores, prefeitos e xerifes e tinha uma personalidade que dividia opiniões: alguns diziam que ele era um Robin Hood do velho-oeste; para outros, era um assassino frio e cruel. “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” não se preocupa em desvendar qual das opiniões é a certa, mas sim cavalgar pela história analisando o simbolismo de palavras fora de moda como honra e covardia.

A história flagra os últimos anos de Jesse James, quando ele já era uma lenda no velho-oeste, retratado em milhares de histórias em quadrinhos e reportagens de jornais que traziam todos os detalhes do homem: como ele sorria, como ele empunhava uma arma, como ele sabia a hora certa de atirar, e em quem. Com pouco mais de trinta anos, Jesse James trazia no corpo marcas não cicatrizadas de balas, cansaço nos olhos e vertigens no pensamento. Era perseguido não só pela policial, mas também por caçadores de recompensas que queriam ter seu nome gravado na História por terem assassinado o homem mais temido do oeste.

“O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” conta a história de um primo de Jesse James que cresceu admirando os feitos do fora-da-lei, mas acaba sucumbindo à ganância e ao desejo de ser alguém na vida, nem que seja para ser “o homem que matou Jesse James”. Ou seja, temos aqui mais uma daqueles filmes em que o público já entra no cinema sabendo o final do filme (o que não quer dizer muita coisa, já que o filme recordista de todos os tempos, “Titanic”, também tinha essa característica): Jesse James morre pelas mãos do covarde Robert Ford.

Porém, não é o final que interessa neste western dramático; ou melhor, não só final. O desenrolar da história – adaptada do romance homônimo de Ron Hansen – e, principalmente, suas conseqüências, é que fazem de “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” um filme a ser visto. O diretor Andrew Dominik perde o rumo em alguns momentos, culpa do roteiro que se complica metade do filme, mas é salvo pela excelente fotografia de Roger Deakins (colaborador de longa data dos irmãos Coen) e pela excelente trilha sonora assinada por Nick Cave e Warren Ellis. Os escorregões, no entanto, não evitam o óbvio: uma enxugada de 20 minutos deixaria o filme brilhante.

Excessos à parte, o filme se vale de uma grande questão: a fama sempre tem um dono, e mesmo que outro queira roubá-la, ele até poderá usá-la por alguns minutos (15, talvez, como professou Andy Warhol), mas ele nunca será o dono. Robert Ford (em excelente atuação de Casey Affleck) chega ao Olímpo após o feito, mas cai como Ícaro que sonhou em voar, voar, subir, subir, mas teve suas asas queimadas pelo sol. “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” se arrasta por quase duas horas para se fazer valer nos últimos vinte minutos, quando o fora-da-lei já está morto e as conseqüências de seu assassinato começam a surgir nas páginas em branco da História.

Brad Pitt levou a Copa Volpi de melhor ator no Festival Veneza por sua brilhante atuação, e embora tenha sido “esquecido” pela Variety (que publicou uma lista de apostas para o Oscar 2008 com oito nomes colocando Daniel Day-Lewis como favorito e não citando Brad Pitt; Casey Affleck está na lista de coadjuvantes), é tido como nome certo entre os indicados para a premiação (o que alguns julgam um acerto com um dos atores que levam público aos cinemas independente da qualidade da obra, isso em uma época em que as salas enfrentam perda constante de quorum).

Já o filme corre por fora como azarão em um ano de diversas películas medianas, mas pode surpreender, assim como quem não quer nada, atirando pelas costas e saindo com a recompensa. Se isso acontecer, a metáfora da história de Jesse James brilhará novamente. E em dois anos não lembraremos de mais nada. Onde estão os heróis de verdade? Onde estão os clássicos?